Módulo III
Contención y Manejo De La Energía, Ahorro en el Gesto, Silencio y Profundidad: Enfasis en Creación Para Cine
El objetivo fundamental de este módulo es estimular la búsqueda de la veracidad en escena desde un lugar más propio, invitando al estudiante a aceptarse y valorarse como un ser creador único, que necesita descubrir sus propias maneras de profundizar en la situación dramática ficcional que se le propone.
Programa académico
El monólogo es ese espacio íntimo y sincero en el que el actor y la actriz entablan este diálogo con otro, el interlocutor silente, y entonces no se tiene otro lugar de dónde obtener los estímulos necesarios para transitar la escena, que de sí mismo y su imaginario. Todo actor debería tener en su haber, mínimo dos monólogos en aras de audiciones que así lo exijan. En este laboratorio trabajará en uno que elegirá de común acuerdo con la profesora, y luego lo adaptará al lenguaje cinematográfico en la clase de creación. El objetivo es crear un personaje sólido, descubriendo y apropiando sensaciones, creando líneas de pensamiento, acción y emoción, para luego identificar en el texto estímulos que los pongan en contacto con el espectro emocional del mismo. Trabajar según las necesidades del texto.
La creación como entrenamiento.
Entrenamiento Físico
Profesora:
Intensidad:
32 horas
Dentro de este espacio desarrollaremos los principios fundamentales de la presencia del actor, a través de la movilización corporal. Se trata de entrenar un estado del ser y una presencia creativa a través del trabajo del cuerpo como vehículo de expresión del ser. Abordaremos el impulso creativo y el estado receptivo como principios forjadores de la vida estudiando los elementos artesanales del trabajo actoral como: impulso, flujo, ritmo, contacto, forma, contención y energía. Durante las sesiones los estudiantes podrán reconocer cómo movilizar la energía al servicio de su trabajo creativo, haciendo de la creación su entrenamiento.
Método Lee Strasberg.
Profesora:
Juan Fischer
Intensidad:
36 horas
En el centro del plan de estudios de Strasberg están las clases de actuación con el método. Estas clases están diseñadas para capacitar al actor en el enfoque sistemático de Lee Strasberg para la actuación, conocido en todo el mundo como The Method. La técnica desarrolla la capacidad del actor para responder con un comportamiento real a los estímulos imaginarios y entrena al actor para que utilice su experiencia personal para encender su imaginación. Cada clase de actuación del método se divide en dos partes: trabajar en uno mismo y trabajar en el personaje. El trabajo en uno mismo emplea los ejercicios de relajación y sensoriales de Lee Strasberg para entrenar la concentración del actor y eliminar los hábitos individuales de tensión mental y física del actor, que limitan su capacidad de expresarse. La relajación se repite en cada clase, construyendo a lo largo del estudio una gran conciencia del cuerpo y la capacidad de relajarse a voluntad. Los ejercicios sensoriales también se practican en cada clase, pero se vuelven más complicados a lo largo del curso de estudio. El trabajo sensorial comienza recreando objetos y sensaciones ordinarias utilizando los cinco sentidos y progresa lentamente hacia estímulos emocionales más complejos. Esta parte de la clase se centra en entrenar el talento de un actor. La segunda parte de la clase se centra en aplicar los ejercicios al trabajo de escena y aprender cómo lo sensorial puede ayudar a cumplir las demandas impuestas al actor por un guión en particular. Los estudiantes utilizan los ejercicios para crear un comportamiento orgánico, tomar decisiones veraces y aprender la forma en que se puede utilizar la improvisación para explorar la motivación de un personaje y profundizar la comprensión del personaje y la escena.
ESTUDIO SENSORIAL/ESTUDIO DE ESCENAS
El enfoque de la clase será en el área donde las opciones sensoriales ayudan a entrar en las circunstancias imaginarias de la escena. Trabajando física y a fondo con las opciones sensoriales, el actor profundiza en el personaje y el material.
TRABAJANDO CON EL DIRECTOR
Este curso le da al estudiante la experiencia práctica de trabajar con un director y desarrollar una escena a través del análisis, el ensayo y la actuación. Junto con el director, los estudiantes examinarán el subtexto, harán el trabajo del personaje y, en última instancia, construirán una escena veraz lista para el rendimiento.
Seguiremos profundizando en conceptos del análisis de texto que nos ayudarán a hacer una propuesta más sólida como actores y actrices en la construcción de nuestros personajes.
En este taller usaremos dos enfoques simultáneos: el trabajo emocional del actor en un set de cine y los aspectos técnicos para trabajo en cámara. A través de ejercicios, el rodaje de escenas cortas y su posterior análisis, trabajaremos temas como la honestidad, el lenguaje del permiso y el permiso para jugar; el control de la energía según el valor del plano y como parte del trabajo en set, desde el control de las miradas para la interpretación y cómo ofrecer múltiples puntos de corte al equipo de edición en postproducción
En el proceso de narrativa cinematográfica, la exposición de la información al público es un poco diferente a las ramas del teatro y la televisión. En el cine, el ensamblaje o sea el montaje, expone el diálogo interno de los personajes, el subtexto. Y los personajes suelen exponer sus ideas con pocos diálogos, o no las expresan y se dan a entender con el montaje, las imágenes que acompañan la situación. Y prevalece el lenguaje no verbal. Muchas veces lo que funciona más es trabajar a partir de los movimientos inconscientes que genera el cuerpo al entrar en un estado ligeramente alterado que ocurre al construir imágenes en la mente, los conflictos internos que no están descritos en el papel del guión, que vive el personaje y que el actor debe construir por sí mismo.
Apreciación al cine y realización.
Profesora:
André Didyme-Dôme
Intensidad:
24 horas
El espacio académico de Apreciación Cinematográfica está concebido para compartir y contagiar el amor hacia el séptimo arte, y para compartir un mínimo de conocimientos sobre los aspectos históricos, contextuales y referenciales del cine, para enfrentarse a la aproximación de una película o al tema de las relaciones entre la producción, la apreciación, el análisis y la crítica cinematográfica. El propósito es permitir que los participantes conformen y desarrollen su apreciación particular del cine, de acuerdo a sus propios intereses profesionales y personales y sus inclinaciones estilísticas y poéticas.
Cuerpo en expansión. El objetivo del trabajo es encontrar ese yo auténtico que habla con un lenguaje propio, un lugar para expandirse y contraerse, para abstraernos en el placer del movimiento y para disfrutar el estado consciente de percibir y ser Cuerpo. Son herramientas que amplían nuestra capacidad como intérpretes y nos permiten transitar de una manera más tranquila y confiada las rutas de la creación y la puesta en escena.
El clown o payaso teatral es un personaje que el actor construye basándose en su intimidad, presentando su ridiculez, sus fracasos, su ingenuidad y la capacidad de sorpresa. En este módulo el juego será el detonante a la comicidad con el fin de entender la verdad, la espontaneidad y los tiempos del personaje cómico. Se realizará un estudio del propio clown, entendiendo sus dinámicas, relacionándolo con otros clowns, dándole vida, creando su universo y conociendo sus límites.
Lectura III.
Si me escuchan significa que no he muerto
Profesora:
Intensidad:
24 horas
Se trata de desarrollar aún más las capacidades comunicativas enfatizando en lo que se quiere expresar y en cómo hacerlo. Entonces, la lectura en voz alta exige una mayor implicación e identificación con el texto para generar un alto nivel de escucha y atención y así contribuir a la construcción de una experiencia extra cotidiana individual y colectiva.